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Marta Cárdenas. Una historia de amor con el arte.

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 Publicado en También Contamos. 2001

Por Cristina María Menéndez Maldonado

 Marta Cárdenas nació en Donosti en 1944 y su historia es la de una mujer que ha vivido y vive la pintura como un modo de plasmar su propia realidad interior. Así, la esencia del arte lejos de una mentalidad puramente estética, refleja lo más profundo y verdadero del pintor, siempre ligado a su obra. Es por tanto, una mirada intima, que goza de la luz con la misma intensidad que de las sombras. Una historia de amor  con el arte que de forma muy personal busca el equilibrio entre la serenidad y  la pasión, la realidad y la poesía que dibujan sus líneas.

Ya desde muy joven se planteó el dilema de escoger entre escribir o pintar, y aunque la pintura es más importante para ella, no ha dejado de escribir, de modo que sus diarios (240 aproximadamente) ocupan también un destacado papel en su vida como artista y como ser humano. Estudió en la Escuela de Bellas Artes, aunque ya había demostrado su gran talento artístico compaginando su preparación con diversas exposiciones colectivas. En 1969 consiguió una beca para ir a París, ciudad que en aquel momento contaba con una vida cultural muy rica, lo que influyó poderosamente a su pintura. De esa experiencia aprendió el verdadero sentido de ser artista, los porqués y  la idea del arte, siendo el creador la parte más intima  del cuadro, que revela en el silencio de un trazo, un mundo de secretos.   Desde los años 70, ha podido ser fiel a su sueño de vivir de la pintura, un hecho que sólo contados artistas pueden hacer realidad.  La fotografía, con su estética particular, supuso para Marta Cárdenas una influencia muy positiva en su obra enriqueciéndola con nuevos matices.  Esta y otras circunstancias fruto de sus numerosos viajes,  la han convertido en una pintora vivencial, que trata de revelar, en el claroscuro de un lienzo,  el sentimiento más puro, la verdad más profunda.

1.- ¿Qué es en tu opinión el arte?. ¿Cuál es su finalidad? 

El recorrido del creador a través de su obra, es un recorrido de introspección y de búsqueda de la propia personalidad. El artista  es como si naciera con un enorme armario relleno de ropa variopinta, que no podemos abrir porque no tiene puertas, y sólo tiene unas pequeñas rendijas que nos permiten sacar,  poco a poco, algunas de las prendas que en él se hallan. Así nacen unos cuadros u otros, porque la pintura se segrega como los sueños, y no se puede racionalizar. Hay artistas que pasan toda su vida desarrollando una faceta, (una zona del armario),y que son grandes genios como Morandi, por ejemplo, que profundizó muchísimo. Picasso es otro ejemplo muy significativo del que yo particularmente he aprendido mucho. La finalidad no es copiar al pintor, porque esto sería un plagio, en realidad se trata de captar la actitud con que el artista abordaba su obra. Así,  Picasso, experimentaba con materiales distintos, buscando nuevos caminos en la creación, y  lo cierto es que cuando  hay un cambio de material,  paralelamente se produce un cambio de estética, cosa muy interesante para la evolución del creador. Yo pienso que la pintura es introspección. Cada cuadro es un termómetro que te dice cómo estás, cuál es tu estado de ánimo. Igual que un sueño puede indicar lo que te ocurre, tus inquietudes y preocupaciones, la pintura, en mi opinión, también cumple esw cometido.

 2.- ¿En qué corriente del arte te ubicarías? ¿Qué pintores te han influido a lo largo de tu trayectoria artística?.

 No me sitúo en ninguna corriente. El problema que tengo frente a los galeristas,  a los compradores,  es precisamente  que no se me reconoce dentro de ninguna. Mi pintura es muy particular. Nace de dentro de mi, por eso es tan personal.

 Los artistas que me han influido han ido cambiando con mi  propia evolución. Ha habido “enamoramientos” a lo largo de mi vida por diferentes artistas. Los primeros,  a los 14 años, fueron los Impresionistas (Monet, Cezanne, etc). Más tarde en mi época de estudiante de Bellas Artes, descubrí a Velazquez y pasé una temporada muy larga pintando interiores, ya que las luces y sombras que este pintor daba a los espacios de sus obras me interesaba muchísimo. Debido a un problema de salud,  mi relación con la pintura se volvió mucho más intensa. Puede decirse que me dio la vida.  El color y  el disfrute de la belleza cobró un sentido más profundo para mi. Entonces, empecé a pintar al aire libre. La oscuridad y austeridad que tanto me había interesado dio paso a una forma diferente de pintar, llena de colores. Y no hay duda,  porque, si pintamos un desnudo en un interior, en él se reflejarán las paredes,  y las luces y sombras serán grises. Sin embargo, ese mismo desnudo en el campo,  reflejará el cielo, la hierba, el color…También los paisajistas orientales me influyeron mucho. El paisaje Chan (Chino) mezcla de Taoísmo y Budismo unido  a la escritura china, con su trazo, su ritmo, la expresividad, encerraban una estética muy especial y distinta, que me dio una visión muy particular del arte.  Después llegué a un punto en el que me resultaba muy difícil avanzar. Era el  momento de buscarme a mi misma y  aquello que quería expresar con mi  pintura. Aún sigo en esa búsqueda… Ahora estoy abierta a otras influencias: las telas de Guatemala, la arquitectura popular del caribe, Africa, etc. Hoy por hoy la gran revolución que se produjo en mi, fue a consecuencia de un viaje a la India. Es maravilloso el colorido y la belleza de esos lugares, tan diferente a nuestra cultura.

3.- ¿Qué paralelismos encuentras entre la pintura y la escritura?.

Ninguno. La escritura únicamente me ayuda a concentrarme. De ese modo descubro la clave de lo que me ocurre, lo que me preocupa y así  alcanzo  la  serenidad que necesito para pintar. La escritura me sirve como “motor de arranque” y a la vez me libera de todas las tensiones que pueda ir acumulando. De ese modo logro una mejor concentración. La pintura es mucho más misteriosa para mi. Es como la poesía para los escritores, y sale de una forma más inconsciente, más irracional. Lo que yo  escribo, sin embargo,  es funcional, me sirve para desahogarme, para relajarme…

4.- En alguna entrevista has comentado la metáfora de “la mano como medium”. ¿Podrías explicarnos esa idea?. 

Cuando realizaba mis apuntes del natural y trataba de manera racional plasmarlo en el papel, el resultado era muy  frío. Sólo entendí bien como pintar el movimiento cuando dejé de mirar al papel. Esta idea no era nada nuevo, aunque yo  lo descubriera por mi misma. Otros pintores como Goya o Munch, ya lo habían hecho antes.

 De lo que se trata es de no dirigir el movimiento de la mano mientras se pinta. De ese modo, por los ojos del pintor entra la imagen, luego pasa por su interior, en definitiva  es “captado” y finalmente las manos del artista se dejan llevar, dando forma a las imágenes.  De alguna manera la razón no debe entrar, es el inconsciente el que tiene que realizar el trabajo, como si fuera un  medium que no permite que la razón entre en juego y que se deja fluir con libertad. Sin embargo para llegar a ser un “medium” es necesario manejar primero la técnica, para que, a la hora de pintar, el artista no se trabe.

5.-¿A quién quieres llegar con tu creación? 

El público nos impacta mucho porque nos estimula. Sin público que te apoye el camino es muy duro.

 En la China Clásica por ejemplo, los artistas se contentaban con tener un grupo de amigos que les quisieran y profundizaran en sus creaciones. Ellos solían reunirse para ofrecer aquello que cada uno hacía: música, pintura, poesía. De ese modo todos  disfrutaban del trabajo de los demás.  Yo también cuento con amigos que me siguen y a los que yo sigo, lo cual me resulta muy grato.  Si además de eso cuento con un público al que le gusta mi  obra,  mucho mejor, pero debo saber contentarme con lo que tengo.

 6.-¿Qué características tiene, en tu opinión, el mercado artístico actual? 

Hoy en España hay Galeristas muy buenos pero que no saben vender y los que saben hacerlo, a veces no tienen la sensibilidad necesaria. Por eso el artista está muy desasistido. Un ejemplo gráfico de ello es que muchos pintores no pueden dedicarse en exclusiva al arte y deben ganarse la vida  con otros trabajos. Yo particularmente he vivido del arte desde los 26 años, pero no es lo normal.

7.- ¿Qué necesitas para pintar? 

Necesito silencio durante muchos días, regularidad en los horarios. Es decir, una cierta disciplina, sin perder por ello la tranquilidad. Necesito sentirme agusto y relajada. La clave está en un equilibrio sereno que me ayude a concentrarme.

8.-¿Cuáles son tus proyectos futuros? 

 Desde hace 2 o 3 años estoy trabajando en la gráfica. Cómo es una técnica tan distinta a todo lo que he hecho, me está resultando muy útil e interesante. En la gráfica es necesario trabajar con un técnico y yo que siempre he trabajado sola, veo que es necesario el dialogo, la puesta en marcha común de las ideas, porque la gráfica te obliga a plantearte las cosas de otro modo, buscando el diseño. Es una experiencia muy enriquecedora. Ahora ha entrado el diseño en mi pintura y estoy muy contenta por ello. No hace mucho he hecho una exposición en San Sebastián que ha resultado un éxito de la crítica. La gente se ha sorprendido con el cambio de mi pintura y tengo en mente otras exposiciones, pero el futuro ya lo dirá…

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